Andreas Berger, Komposition/ Soundkonzept
Chris Haring, Künstlerische Leitung/ Choreografie
Stefan Grissemann, Text
Thomas Jelinek, Licht Design/ Scenografie

Liquid Loft
Corali Benard, Tanz/ Choreografie
Jackson Carroll, Tanz/ Choreografie
Cristina Commisso, Tanz/ Choreografie
Verena Herterich, Tanz/ Choreografie
Livia Khazanehdari, Tanz/ Choreografie
Katharina Meves, Tanz/ Choreografie
François-Eloi Lavignac, Tanz/ Choreografie
Dante Murillo, Tanz/ Choreografie
Ida Osten, Tanz/ Choreografie
Hannah Timbrell, Tanz/ Choreografie

Valentina Diaz, Social Media
Roman Harrer, Stage Management
Cornelia Lehner, Companie Management
Stefan Röhrle, Kostüme
Judith Thaler, Produktion

PHACE
Manuel Alcaraz Clemente, Schlagwerk
Alexandra Dienz, Kontrabass
Mathilde Hoursiangou, Klavier/ Keyboard
Roland Schueler, Cello
Walter Seebacher, Klarinette(n)

Reinhard Fuchs, Künstlerische Leitung
Markus Bruckner, Produktion
Michael Eder, PR & Social Media

Eine fiebrige Expedition ins Dunkel, in der Klänge, Körper und Objekte zu instabilen Hybriden verschmelzen: Didos Lamento als chromatischer Ground unaufhörlich hinabgleitend, zersplittert in Glissandi, Pizzicati, Bottleneck-Schreie. Erinnerungen flackern wie Stroboskope, Licht als Narkose und Rausch zugleich – ein Club, ein Grab, eine Bühne der Schatten. Stimmen, Körper, Samples, Rockmusik, Klavier-Explosionen, Field Recordings: alles bricht auseinander, alles beginnt von Neuem. Eine Hommage, eine Verfremdung, eine Verwandlung – wild, sarkastisch, intim. Musiktheater als brennende Mine, als frostiger Gletscher, als Trauerlied, das sich selbst zerreißt.

Musiktheater jenseits gegenwärtiger Opernmodelle wird in coal mine birds (als Postskriptum des Festivals ImPulsTanz) geboten: eine von zehn PerformerInnen und fünf Musikkräften auf der Bühne gebotene Choreografie als verfremdete Nachstellung einstiger Ballsituationen, in dem das Publikum eine stage-on-stage betritt, als skulpturales Umfeld in die Ereignisse gewissermaßen mit einbezogen wird. Sechs zeitgenössische Kompositionen von Simon Steen Andersen, Alessandro Baticci, Jerome Combier, François Sarhan, Agata Zubel und dem Liquid-Loft-Klangvirtuosen Andreas Berger werden live gespielt: Musik, die Historisches aktualisiert, um Künftiges zu projizieren. So zeichnet sich ein installativer Tanzabend als geisterhafte Variation eines Balls ab, in dem Maßnahmen gegen die Einsamkeit gesetzt werden, dem ersehnten Rausch, der Entgrenzung entgegen. Körper und Objekte werden zu Hybridwesen fusioniert, ungeahnt erstehend, um wieder zu zerfallen, ohne Stabilität, wie eine durch die Synapsen blitzende Idee, wie eine dringende Erinnerung oder eine Utopie, die keinen langfristigen Bestand haben kann.

Mehr dazu bei Liquid Loft.

PROGRAMM

Simon Steen-Andersen
Queen of the Night  für Stimme solo (aus „Inszenierte Nacht“, 2013)

François Sarhan
Wyatt für Keyboard, Kontrabass, Vibraphon (N° 11 aus „Hell“, 2005)

Agata Zubel
Shades of Ice für Klarinette, Cello and Elektronik (2011)

Alessandro Baticci
Luminal Mirage für Ensemble und Elektronik (2025)
in einer hybriden Version mit Live- und vorab aufgenommenen Instrumenten

Jerome Combier
Laid in earth für Klavier solo und Elektronik (2019)
in einem erweiterten Arrangement für Klavier, Klarinette, Cello, Kontrabass und Elektronik (Reinhard Fuchs)

und Musik von Andreas Berger

Mit freundlicher Unterstützung von IMPULSTANZ.

Tomasz Skweres, Musik
Kristine Tornquist, Text

Johann Leutgeb, Heribert Büxenstein
Horst Lamnek, Hermann Hagedorn
John Sweeney, Hartmuth Sägebarth
Juliette Mars, Stella Sorell
Ewelina Jurga, Mira, Pflegerin
Vladimir Cabak, Mirko, Pfleger
Maida Karišik, Regine
Schellpfeffer, Direktorin
Dieter Kschwendt-Michel, Maximilian
Notnagel, Hausarzt
Selina Rosa Nowak, Geist

PHACE
Doris Nicoletti, Flöte
Reinhold Brunner, Klarinette
Michael Krenn, Saxophon
Jason Pfiester, Horn
Stefan Obmann, Posaune
Maria Mogas, Akkordeon
Hannes Schöggl, Schlagwerk 1
Igor Gross, Schlagwerk 2
Tina Zerdin, Harfe
Anna Lindenbaum, Violine
Sophia Goidinger-Koch, Viola
Barbara Riccabona, Violoncello
Maximilian Ölz, Kontrabass
Reinhard Fuchs, Leitung
Markus Bruckner, Produktion PHACE
Michael Eder, Assistenz

Antanina Kalechyts, Musikalische Leitung
Kristine Tornquist, Regie
Michael Liszt / Sandkastensyndikat, Bühne
Nora Scheidl, Kostüm
Luisa Liebe, Maske
Jan Maria Lukas, Licht
Ada Günther, Regieassistenz und Inspizienz
NN, Korrepetition und Studienleitung
Selina Rosa Nowak, Produktionsasistenz
Norbert Gsellmann, Gastronomische Betreuung
Bruno Kolak und Team, Transport und Aufbau
Zine Tornquist, Grafik
Barbara Vanura, PR und Presse sirene
Sylvia Marz-Wagner, PR und
Presse Wien Modern
Andreas Friess, Julia Várkonyi, Fotographie
Peter Landsmann, Filmmitschnitt
Paul Landsmann, Filmmitschnitt
Theresa Kronsteiner, Lea Lux,Kamera
Susanne Schicker, Jugendstiltheater
Bernhard Günther, Wien Modern
Tanita Müller, Wien Modern
Sandro Nicolussi, Wien Modern
Jury Everhartz, Produktionsleitung

François-Pierre Descamps, conductor
Anna Clare Hauf, voice

Serapions Ensemble
Elvis Alieva,
Ana Grigalashvili,
Zsuzsanna Enikö Iszlay,
Julio Cesar Manfugas Foster,
Selina Rosa Nowak (guest),
Gerwich Rozmyslowski,
Mercedes Miriam Vargas Iribar,
Miriam Mercedes Vargas Iribar

PHACE
Doris Nicoletti, flute
Reinhold Brunner, clarinet
Yukiko Krenn, saxophone
Stefan Obmann, trombone
Maria Chlebus, percussion
Iosua Dascal, percussion
Mathilde Hoursiangou, piano
Anna Lindenbaum, violin
Sophia Giodinger-Koch, viola
Roland Schueler, cello
Alexandra Dienz, double bass

Christof Dienz, composition
Kristine Tornquist, director
Florian Bogner, sound
Xaver Dienz, sound
Marlen Duken, props
Michael Liszt, stage
Jakob Scheid, music automatons & robots
Roman Spiess, Markus Liszt, puppets
Jan Maria Lukas, lights & technics
Germano Milite, sound & video
Jury Everhartz, production

Christof Dienz
Die Puppe. Ein Operoid (2024, UA)
Produktion sirene Operntheater | Kooperation Wien Modern

Der künstliche Mensch – die Puppe, die Figur, der Android – verrät drei Träume der Menschheit: Schöpfermacht, Vollkommenheit, Unsterblichkeit.

Seit der Steinzeit begleiten die Ebenbilder ihre Schöpfer und dienen ihnen als Gefährten, Sklaven und Götter, um das Unzulängliche der organischen Existenz zu überwinden. Die Puppen des Altertums sind belebt von Imagination, ihre Aura und Kraft liegen in der Phantasie der Puppenschöpfer und der Betrachter. Schon zwei Punkte in einem Kreis reichen aus, um die Illusion eines Gesichtes zu schaffen, ein einfach beschnitztes Hölzchen markiert bereits eine Gestalt. Puppenschöpfer der Aufklärung hingegen setzen komplizierte Mechanik als Antrieb ein, um eine unermüdliche, gehorsame und täuschend echte Verbesserung des nur natürlichen Modells zu erhalten. Der Sage um den Bildhauer Pygmalion folgend gilt es, die leblosen Artefakte mit dem Funken des Lebens zu befruchten. Wo Sein und Schein sich so nahe kommen, erscheinen zwar die Puppen lebendig, der Mensch selbst aber wie ein Automat. Puppen sind wir, von unbekannten Gewalten am Draht gezogen, graute es Büchner, nichts, nichts wir selbst.
Der japanische Robotiker Masahiro Mori etablierte in den 70er Jahren dafür den Begriff Uncanny Valley: Zur Faszination gesellt sich seither der Schauder, wenn das Künstliche sich dem Natürlichen annähert – bis dahin, wo ein perfekter Androide als ebenbürtig betrachtet und für lebendig gehalten wird.
Nicht nur Menschenkörper, auch ihre Stimmen, ihre Sinne und zuletzt sogar ihr Geist sollen künstlich nachgeschaffen werden. In den Rechenzentrum von KI-Projekten läuft der Nachahmungstrieb auf elektronischen Hochtouren. Die Selbsttäuschung gelingt – fast! Noch sind die technischen Homunkuli von der Komplexität organischen Lebens weit entfernt, noch hat keine KI den Turingtest bestanden, aber das Ziel steht fest: die künstlichen Doppelgänger sollen ihre Schöpfer nicht nur nachäffen, sondern ihnen geistig ebenbürtig, sogar überlegen sein – eigenständige Geschöpfe, den Vorbildern ein Vorbild.
Im Dunkeln reicht allerdings immer noch eine Vogelscheuche und ein wenig Phantasie, um der Materie Geist zu verleihen.

Christof Dienz‘ Musik für die elf Musiker des Ensembles PHACE, Anna Hauf als wortlose Stimme und den automatischen Trommler von Jakob Scheid reflektiert das Befremdende im Ähnlichen. Kristine Tornquist und die acht Schauspieler des Serapions Theaters beleuchten dazu in einer stummen Szenenfolge die rätselhafte Beziehung von Menschen und ihren Puppen.

sirene Operntheater

Hyun-Jung Berger, violoncello
Paula Jeckstadt, Mathilde 1 (soprano)
Annette Schönmüller, Mathilde 2 (mezzosoprano)
May Garzon, Elsa Bienenfeld (actor)
Rupert Lehofer, Arnold 2 (actor)
Valentin Postlmayer, Arnold 1 (actor)

PHACE
Doris Nicoletti, flute
Reinhold Brunner, clarinet
Michael Krenn, saxophone
Spiros Laskaridis, trumpet
Stefan Obmann, trombone
Igor Gross, percussion
Maria Chlebus, percussion
Mathilde Hoursiangou, piano & keyboard
Ivana Pristasova Zaugg, violin
Petra Ackermann, viola
Roland Schueler, cello
Maximilian Ölz, double bass

Georg Klüver-Pfandtner, costumes
Martin Laumann, sound
Ulli Napp, technical director
Bernhard Günther, dramaturgy
Markus Oppenländer, technics littlebit
Eva Maria Müller, coordination littlebit
Manos Tsangaris, staging

Manos Tsangaris
Schönes Wetter in Gmunden. Sechs öffentliche Privataufführungen (2023–2024 UA) – 60′
Kompositionsauftrag von Wien Modern im Rahmen von Schönberg 150

Wenn Manos Tsangaris komponiert, finden nicht nur Töne und Worte zu neuen Formen, sondern auch Räume und das Publikum. Der 1956 in Düsseldorf geborene Komponist, Schlagzeuger, Künstler und Lyriker (nebenbei bemerkt soeben mit dem Mauricio Kagel Musikpreis ausgezeichnet und zum Präsidenten der Berliner Akademie der Künste gewählt) fasst bei Wien Modern seine Auseinandersetzung mit Arnold Schönberg in einer großen, neuen und gewissermaßen begehbaren Werkgruppe zusammen.

Schönes Wetter in Gmunden (19.–21. November), eine Kette von sechs „öffentlichen Privataufführungen“ an verschiedenen Stellen des Brahms-Saals für jeweils neun Zuhörende, führt im Musikverein in eine der dramatischsten und folgenreichsten Episoden in Schönbergs Biografie.

Miameide

21./23./25./26./27./28./30. Sep. 2023
sirene Operntheater
Jugendstiltheater am Steinhof

ARTISTS
Julia Purgina, Musik
Kristine Tornquist, Text
Julia Libiseller, Trickfilm

Johanna Krokovay, Mia
Romana Amerling, Sachbearbeiterin
Ingrid Haselberger, Arbeitslose, Gärtnerin
Benjamin Boresch, Sachbearbeiterin,
Blumenhändlerin
Vladimir Cabak, Arbeitsloser, Gärtner
Johann Leutgeb, Sachbearbeiterin, Kunde

Vokalensemble Momentum Vocal Music
Ekaterina Krasko, Sopran
Elisabeth Kirchner, Mezzosopran
Aleksandar Jovanovic, Countertenor
Simon Erasimus, Tenor und Leitung
Benjamin Harasko, Bassbariton

Ensemble PHACE
Doris Nicoletti, Flöte
Reinhold Brunner, Klarinette
Dominik Fuss, Trompete
Stefan Obmann, Posaune
Berndt Thurner, Percussion
Maria Chlebus, Percussion
Tina Žerdin, Harfe
Mathilde Hoursiangou, Klavier/Celesta
Maria Mogas Gensana, Akkordeon
Thomas Wally, Violine
Jacobo Hernández Enríquez, Violine
Anna Lindenbaum, Viola
Barbara Riccabona, Violoncello
Stefanie Prenn, Violoncello
Manuel Schager, Violoncello
Michael Seifreid, Kontrabass

Antanina Kalechyts, Musikalische Leitung
Kristine Tornquist, Regie
Michael Liszt, Markus Liszt, Je Jesch, Bühne
Maria Mitterlehner, Kostüm
Klara Leschanz, Maske
Paul Eisemann, Licht
Germano Milite, Animation und
Videotechnik

Petra Giacalone, Korrepetition und
Studienleitung
Selina Umundum, Assistenz und Inspizienz
Anna Skrepek, Hospitanz und Übertitel

Zine Tornquist, Grafik
Barbara Vanura, PR und Presse
Barbara Palffy, Fotographie
Peter Landsmann, Paul Landsmann,
Filmmitschnitt
Martin Horváth, Produktionsleitung
Jury Everhartz, Produktion

Mia kann die Sprache der Pflanzen verstehen. Doch für diese Fähigkeit findet sich in der Welt keine Verwendung. Am Arbeitsamt wird sie in Jobs vermittelt, in denen Pflanzen wie Objekte gehandelt werden. Aber sie taugt weder als Blumenverkäuferin, noch in der Grossgärtnerei, wohin sie auch kommt, immer versteht sie zu viel von den Bedürfnissen der Pflanzen. Als sie begreift, dass in der Menschenwelt kein Platz mehr für die ist, die hören können, flüchtet sie in ein anderes Dasein. Auch wenn wir sie nicht hören können, sind die stillen Schwestern nicht stumm. Ihre Sprache ist das Wachstum, ihr unaufhörliches Entfalten, Vermehren, Verzweigen und Differenzieren ist ihre Erzählung von der Überwindung der Entropie.

Eine Oper über Pflanzen. Pflanzen sind keine Opernfiguren. Man kann sich ihnen nur über Metaphern annähern. Zunächst einmal in der intuitiven Art und Weise, in der Musik eine Sprache der Pflanzen repräsentieren kann. Julia Purgina hat eine lebendige und fragile Musik geschrieben, die botanische Strukturen und das fraktale Wachstum der Pflanzen nachempfindbar machen. Die Sprache der Pflanzen. Selbst die menschliche Stimme, die ohne Worte für die Pflanzen eingesetzt wird, kann etwas „Unerhörtes“, Nichtmenschliches darstellen. Julia Libiseller zeigt in ihrem Stopmotionfilm die unermüdlichen und surrealen Bewegungen der Blätter, Blüten und Wurzeln auf der ewigen Suche nach Licht und Wasser.

Mehr…

Miameide – Oper in 8 Szenen mit einem Prolog
Mit Text von Kristine Tornquist, Musik von Julia Purgina und Trickfilm von Julia Libiseller

Eine sirene-Produktion in Kooperation mit PHACE und Momentum Vocal Music

Canti di Prigionia

Wiener Festwochen 2023
24./25./26. Mai 2023
20:30
Jugendstiltheater am Steinhof

Ein Auftragswerk und eine Produktion von Wiener Festwochen Partner Provincija (Svetvinčenat) Residency Centar mladih Ribnjak (Zagreb), Zagrebačko kazalište mladih (Zagreb) Mit Unterstützung von Ministarstvo kulture i medija (Kroatien)

Konzept Matija Ferlin, Goran Ferčec
Regie, Choreografie, Kostüme Matija Ferlin
Dramaturgie, Text Goran Ferčec
Mit Musik von Luigi Dallapiccola

Cantando Admont
Sopran Elina Viluma-Helling, Friederike Kühl,
Mara Maria Möritz, Anna Piroli
Mezzosopran Cosima Büsing, Elisabeth Irvine
Alt Cornelia Sonnleithner, Justina Vaitkute
Tenor Bernd Lambauer, Martin Mairinger,
Hugo Paulsson-Stove, Angelo Testori
Bass Matias Bocchio, Christoph Brunner,
Karl Söderström, Ulfried Staber

PHACE
Klavier Mathilde Hoursiangou, Jan Satler
Harfe Tina Zerdin, Marie Zimmer
Schlagwerk Maria Chlebus, Harry Demmer,
Igor Gross, Christian Pollheimer,
Hannes Schöggl, Berndt Thurner

Bühne Mauricio Ferlin
Regieassistenz Koraljka Begović
Kostümassistenz Desanka Janković
Mit Dušan Gojić, Rok Juričić, Lana Meniga,
Tanja Smoje, Dijana Vidušin
Produktionsleitung Silvija Stipanov

Der Komponist Luigi Dallapiccola wurde 1904 in Istrien geboren. Während des Ersten Weltkriegs war er gemeinsam mit seiner Familie in Graz interniert, später studierte er Klavier in Florenz und etablierte die Zwölftontechnik der Wiener Schule in Italien. Zwischen 1938 und 1941 schuf er unter dem Eindruck der Gewaltherrschaft Mussolinis seine drei Gesänge aus der Gefangen­schaft. Basierend auf einem Gebet aus Stefan Zweigs Maria Stuart, einem Auszug aus Der Trost der Philosophie von Boethius und dem Psalm In Te Domine Speravi von Girolamo Savonarola gestaltete Dallapiccola einen zeitenübergreifenden atonalen Schrei gegen den Faschismus. Auf Einladung der Wiener Festwochen übersetzen der kroatische Choreograf Matija Ferlin und der Dramaturg und Autor Goran Ferčec 2023 gemeinsam mit dem Vokalensemble Cantando Admont, den zehn Musiker:innen von PHACE und fünf Schauspieler:innen die drei Lieder in drei szenische Bilder. Und schreiben eine autofiktionale Erzählung ins Geschehen ein. Ein Abend, der dem menschlichen Bedürfnis nach Freiheit gewidmet ist.

Luigi Dallapiccola
Canti di Prigionia für Chor, 2 Klaviere, 2 Harfen, 6 Schlagzeuger (1938-1941)

Preghiera di Maria Stuarda
O Domine Deus! speravi in Te.
O care mi Jesu! nunc libera me
In dura catena, in misera poena, desidero Te.
Languendo, gemendo et genu flectendo,
Adoro, imploro, ut liberes me.

Invocazione di Boezio
Felix qui potuit boni
fontem visere lucidum,
felix qui potuit gravis
terrae solvere vincula.

Congedo di Girolamo Savonarola
Premat mundus, insurgat hostes, nihil timeo
Quoniam in Te Domine speravi,
Quoniam Tu es spes mea,
Quoniam Tu altissimime posuisti refugium tuum.